Esta é, fundamentalmente, a sinopse desse velho lançamento da Conrad, de Hideshi Hino, um dos mais aclamados autores de terror do Japão, apesar de não ser exatamente muito conhecido fora dele – ainda que outras obras suas tenham sido lançadas posteriormente diretamente para livrarias pela editora Zarabatana. Junto com algumas obras de Junji Ito, ele representou um período um pouco mais desbravador dos mangás lançados por aqui, apostando em autores consagrados de gêneros alternativos, antes deles caírem na mesmice dos shonen e shoujo genéricos. E Panorama do Inferno é, ainda, uma obra bem mais perturbadora do que outras lançadas nessa época, por seus protagonistas cruéis e insanos, pela sua naturalidade quase poética em tratar do grotesco, e pelo tom auto-biográfico dado por um autor que, segundo revela no posfácio, se vê mais próximo da insanidade do seu personagem do que ele próprio acredita ser saudável.

Panorama do Inferno, enfim, é uma obra grotesca, perturbadora e enojante. E essas são as suas grandes qualidades – uma pintura de um inferno pós-nuclear fantástico, porém com alguma estranha e assustadora verossimilhança. Quem ainda achar por aí, pode valer a pena dar uma olhada.

O livro tem como protagonistas os irmãos Douglas e Tom Spaulding na cidade fictícia de Green Town, inspirada na cidade natal do autor, Waukegan, no estado norte-americano do Illinois. A cidade e os personagens também estão presentes em outros livros dele, Something Wicked This Way Comes e Farewell, Summer, que fecham a chamada “trilogia de Green Town.” No caso, este primeiro volume começa no início do verão de 1928 – que nos Estados Unidos, é sempre bom lembrar, ocorre entre junho e agosto, e não entre dezembro e fevereiro -, quando Douglas, aos treze anos, tem uma epifania sobre o significado da sua vida. Motivado por isso, ele decide registrar junto com o irmão todas as sensações, acontecimentos e descobertas que ocorrerem durante a estação.

A partir daí ele se desenvolve como um típico romance fix-up, formado menos por uma linha narrativa única do que por várias histórias semi-independentes, unidas por pequenos capítulos em que os irmãos conversam entre si e refletem a respeito dos seus acontecimentos – pense em algo como o outro clássico do autor, As Crônicas Marcianas, ou mesmo no brasileiro Neon Azul. Muitos dos contos inclusive já haviam sido publicados anteriormente à sua reunião neste volume, em revistas literárias e afins. Os próprios irmãos geralmente são apenas coadjuvantes nas histórias contadas, que versam muito mais sobre os outros habitantes e situações da cidade; o resultado final, assim, é menos uma única história com início, meio e fim do que um grande panorama geral sobre ela, seus personagens e suas peculiaridades. Temos lá um relojoeiro que quer construir uma máquina de felicidade, e acaba pondo em risco a sua própria no processo; uma máquina do tempo um tanto peculiar e única; uma despedida dolorosa; um misterioso assassino de jovens mulheres que ronda as suas noites; e outros tantos contos únicos e envolventes.

Acho que posso confessar aqui minha fanboyzice com Bradbury, que considero o melhor dos autores clássicos de ficção científica, e, como já discorri em outro momento, um dos poucos cujas histórias conseguem se manter atuais e cativantes mesmo décadas depois. E ele é também um dos melhores autores quando o assunto é a nostalgia da infância – a sua escrita é cheia de sensações e descrições impressionistas, por vezes quase como poesias em prosa. Frente às epifanias de Douglas e a inocência de Tom, é difícil não ser transportado de volta para a nossa própria infância, e as nossas primeiras descobertas sobre a vida, a morte e tudo o que acontece entre elas.

O que outros fãs do autor devem estranhar, no entanto, é o relativo realismo das histórias. Há lá alguns pequenos elementos de fantasia, uma máquina impressionante aqui, uma suposta bruxa acolá, uma certa referência a reencarnações em um dos contos mais tocantes do volume; mas é muito mais o fantástico no sentido todoroviano, onde há essa hesitações entre o maravilhoso de fato e o real, e você nunca pode ter certeza de que ele está lá realmente e não é apenas uma impressão passada pelo ponto de vista dos personagens. O que não impede, é claro, que que o livro seja vendido na sessão de ficção científica das livrarias, apenas por ser escrito por Ray Bradbury…

Em todo caso, Dandelion Wine é uma leitura única e envolvente, que eu recomendo facilmente para fãs do autor, ou apenas de boas histórias e boa literatura mesmo.

Aos poucos, no entanto, comecei a desconfiar de que desta vez havia algo de diferente. Os seus números aumentavam em progressão geométrica; as vítimas identificadas passaram a ser contadas nas centenas, logo nos milhares. Parecia que para onde quer que eu me virasse havia uma fratura exposta, um pedaço de carne putrefata, um verme saindo dos olhos.

Me isolei em minha casa, fazendo da poltrona a minha armadura e da xícara de café a minha espada. Ao meu redor, meus aliados no exílio, organizados em fileiras e colunas pelas paredes da biblioteca. Minha fortaleza seria impenetrável; nenhum deles se aproximaria.

Como fui ingênuo. Não havia para onde correr, não havia onde se esconder. Um deles já estava mesmo oculto em minhas próprias fileiras, e, antes que pudesse perceber e me esquivar do seu ataque, ele pulou sobre mim com a fúria de um lobo faminto.

Senti uma dor lacerante e intensa enquanto ele me rasgava por dentro, como se me virando do avesso. Suas garras prendiam minha cabeça, e logo ele já se banqueteava com o meu cérebro. Reunindo minhas últimas forças, ainda com ele sobre mim, me arrastei até a mesa da biblioteca, onde peguei uma folha e um lápis e comecei a escrever:

É o fim. Eles estão por toda a parte. O Apocalipse dos livros sobre zumbis enfim chegou até mim.

De qual estilo estou falando? Do blues de raiz norte-americano, é claro. Mas não se assuste se pensou em outro. A sua história e a dos seus artistas é, de fato, muito parecida com a do nosso sertanejo. Gente do campo, de origem simples, que buscou fugir do trabalho duro em sítios e fazendas indo para cidade grande, tentando a sorte através da música. Alguma diferença significativa, talvez, possa se dar nas suas origens e influências prévias, em especial na influência da música africana sobre o blues, que não me parece tão evidente no sertanejo (e algum especialista sério no assunto pode me corrigir se for o caso) – a nossa influência musical do continente negro está muito mais no samba mesmo, que, pela sua origem urbana e mesmo a posterior transformação em um estilo semierudito, lembra mais o jazz do que o blues propriamente dito. O contexto social e cultural de ambos, no entanto, é sim muito parecido. Ambos são mesmo reconhecidos pela virtuose de alguns de seus praticantes, e até a famosa “dor de cotovelo” das canções sertanejas tem muito em comum com o feeling blue do blues (que também é muitas vezes causado pela rejeição de uma mulher – ou homem, tanto faz).

O ponto em que quero chegar é que muitas vezes, numa ânsia civilizatória tosca e que tem muito de mentalidade colonizada, parece fácil querer desmerecer a nossa música popular só por ser, bem, popular, e ignorar que a própria música que ouvimos na verdade tem origens e premissas muito semelhantes, que nos parecem mais dignas apenas por virem de fora ou terem se originado décadas atrás. Quem ouve Cream, Rolling Stones, Led Zeppelin ou qualquer outro herdeiro dos velhos bluesmen errantes não tem exatamente muita moral para falar mal de quem ouve Michel Teló ou outro dos herdeiros contemporâneos do sertanejo de raiz. Vamos refletir um pouco e admitir: ai, ai, se eu te pego, enquanto letra, não é muito pior do que hey, hey, baby, hey que um Big Bill Broonzy cantava oitenta anos atrás, e que já foi regravado por artistas do cacife do Eric Clapton, por exemplo. E o tal Teló pelo menos ainda tem mais de sertanejo de verdade, com o seu gingado dançante e riffs de acordeão, do que um Luan Santana, de quem eu já falei um tanto anteriormente.

É bom, enfim, tentar ver as coisas de uma perspectiva histórica, de longa duração, e se dar conta de que esse tipo de crítica não passa mesmo de um preconceito tosco, o mesmo que tanto se desdenhava da high society WASP norte-americana de sessenta anos atrás, por não entender os méritos do rock derivado do blues enquanto movimento social e cultural. É claro que ninguém é obrigado a gostar da música do rapaz, e eu mesmo não sou exatamente um fã, embora já tenha me pego cantarolando ela inocentemente algumas vezes… Mas dar chiliques por causa dele ser capa de revista é um pouco de recalque demais, a meu ver. Goste ou não, ele é sim um fato cultural relevante dessa temporada, desses que geralmente são esquecidos até o fim do ano – ou não, é claro, nunca se pode prever com certeza. E vocês podem mesmo estar falando mal do nosso Elvis – ok, ok, compará-lo ao Rei é exagero sensacionalista meu, no nível desses que são feitos por revistas semanais; mas pelo menos o nosso Bill Haley da vez ele pode muito bem ser sim.

Mas é claro também que eu não desprezo ele enquanto personagem – gosto muito mais do Batman, mas ele tem alguns elementos bem interessantes de serem explorados quando nas mãos de um roteirista eficiente. Existem pelo menos dois “modelos” de história clássicos que funcionam muito bem com ele: uma é o lado político da existência de um super-homem, tão bem aproveitada em grandes obras dos quadrinhos como O Reino do Amanhã, Entre a Foice e o Martelo, e em alguns episódios (os melhores, geralmente) da velha série animada da Liga da Justiça; e o outro é o lado pessoal, a do super que vive entre pessoas normais, e que foi também já muito bem aproveitada em histórias como Identidade Secreta e também no ótimo primeiro filme do Super-Homem, aquele com o Cristopher Reeve. Este segundo modelo é também o caminho que segue Superman – O Retorno.

E aí temos toda aquela questão que os fãs chatos sempre reclamam, das mudanças do personagem, da Lois Lane quase casada e com um filho e tudo mais. O fato, no entanto, é que isso tudo funciona muito bem dentro do filme, e ajuda mesmo a dar uma profundidade diferenciada aos personagens e ao roteiro, naquele gênero “super-heróis com coração” que as adaptações para cinema têm tentado seguir pelo menos desde o Homem-Aranha. O filme realmente dá mais atenção a esse lado dramático, embora a parte da ação também esteja muito bem representada – com direito a final apoteótico e simbolismos religiosos.

Os atores não chegam a decepcionar. O Brandon Routh é melhor como Clark Kent do que como Super-Homem, mas de maneira geral está ótimo como ambos; a Kate Bosworth não impressiona muito, mas também não achei ela tão decepcionante (e ela é uma gracinha); o Kevin Spacey é deliciosamente maluco como Lex Luthor, apesar de estar meio solto na trama, como o super-vilão com planos megalomaníacos genéricos de dominação mundial da vez; e o James Mardsen é uma boa surpresa como Richard White, o “outro” da Lois Lane. Os efeitos digitais, no entanto, estão um pouco estranhos e “borrachudos” em alguns momentos, apesar de no geral funcionarem bem.

Enfim, fazem já alguns anos que Superman – O Retorno saiu, e a sua recepção entre os fãs desde então não melhorou muito exatamente. Mas, se eu posso ter uma opinião própria, independente do que outros possam achar, ainda vejo ele como uma produção muito bacana e instigante, a prova da capacidade do diretor Bryan Singer dentro do gênero, e uma grande homenagem à cinessérie original, com direito a dúzias de referências e uma certa participação muito especial. Faltou alguma coisa? Ah, sim, ainda tem o tema musical clássico composto pelo mestre John Williams, que simplesmente não tem preço.

Pois bem. Quem acompanha o noticiário internacional pode vir a imaginar que está tudo acontecendo novamente – é só ver a quantidade de editoriais e comentários sobre a última crise financeira, anunciando o fim do capitalismo especulativo, do neoliberalismo e da sociedade ocidental como nós a conhecemos. Estaríamos vivendo a morte de outra utopia? Sim, pois utopias certamente não são exclusividades da esquerda – a direita tem todo o direito (com o perdão do trocadilho) às suas também, desde o liberalismo clássico do fim do século XVIII até o começo do XX, até o neoliberalismo autoritário de tempos mais modernos (e recomendo muito um texto do Perry Anderson, Balanço do Neoliberalismo, para quem quiser saber as diferenças entre eles, e porque é possível sim ser neoliberal e autoritário sem cair em qualquer contradição de termos).

Acho que nada ilustra melhor essa situação do que o cai-não-cai que vive a zona do Euro atualmente. Já li prognósticos de que a moeda seria abandonada pela maioria dos países um mês atrás, e outros que anunciam a sua derrocada para a semana que vem. Pacotes prometem a sua recuperação instantânea, apenas para serem substituídos por novas soluções milagrosas na semana seguinte. Não sou analista econômico, enfim, e não sei dizer quais são as possibilidades reais dele sobreviver ou não; poderia apostar em um ou outro com a mesma probabilidade de acerto, do meu ponto de vista semi-leigo. Sou, no entanto, um historiador, e acho que posso tentar buscar o significado dessa situação de um ponto de vista histórico mais amplo.

Pra quem não sabe, a hoje grandiosa União Europeia, com seus quase trinta Estados membros, começou de maneira bem mais tímida e sutil. Sua origem está Comunidade Europeia do Carvão e do Aço, criada pelo Tratado de Paris em 1951, e tendo como fundadores a (então) Alemanha Ocidental, França, Itália, Bélgica, Países Baixos e Luxemburgo. Mais tarde, em 1957, o CECA daria origem à Comunidade Econômica Européia, que reuniria mais e mais membros ao longo dos anos, até se converter na atual UE.

Parem um pouco e pensem a respeito. Em especial, sobre dois dos seus membros fundadores – a Alemanha e a França. Ambos estiveram no centro dos dois maiores conflitos da história recente, possivelmente mesmo de toda a história da humanidade; a Primeira e Segunda Guerra Mundiais. Mais: o acordo visava justamente a regulação do seu principal ponto de divergência, as indústrias do carvão e do aço, especialmente proeminentes nas províncias francesas de Alsácia e Lorena, e que são fundamentais para o desenvolvimento industrial de qualquer país. Com apenas uma assinatura, um dos maiores focos de tensão da Europa ocidental desde fins do século XIX, quando a unificação alemã se completou com a anexação das duas regiões supracitadas, simplesmente desapareceu.

Cortamos então para o presente, e, novamente, o Euro. Ele é, de certa forma, o pináculo desse movimento de integração, que os leva a dividir, além das suas políticas e economias, a própria moeda; para além disso, só quando (e se, obviamente) as fronteiras forem definitivamente banidas, e os países do continente passarem a se considerar como um só Estado. Do ponto de vista político, e da turbulenta história do continente ao longo dos séculos, trata-se de uma integração especialmente bem-sucedida, talvez a maior e mais significativa desde a pax romana – basta lembrar que, desde o fim da Segunda Guerra Mundial, a Europa ocidental simplesmente não teve qualquer conflito armado relevante dentro dos seus limites. (A Europa oriental, é claro, é um caso à parte, e mereceria todo um texto próprio apenas a seu respeito. Em uma outra oportunidade, talvez).

Claro, é também uma integração controversa, que envolve uma série de questões particulares que não podem ser simplesmente ignoradas. É certamente complicado querer integrar sociedades extremamente diversas política e culturalmente. O mais difícil, no entanto, é quando as próprias economias que se quer unificar possuem características e níveis de desenvolvimento tão diferentes.

É isso que fica mais evidente quando se analisa a crise atual, e o impacto que ela possui sobre o Euro. Não vou entrar em detalhes técnicos complicados, que você pode procurar em qualquer análise séria por aí (apenas não se guie pelas da revista (cer)Veja, por favor); mas é fácil perceber que as economias de países como a Grécia ou Portugal simplesmente não estão no mesmo patamar das da Alemanha ou mesmo, vá lá, da França. Isso gera um desnível sério no poder econômico de cada um deles, o que leva a uma necessidade de ajuda financeira para pagar as dívidas e cumprir os contratos firmados dos Estados mais fracos, o que por sua leva a todos esses pacotes de medidas de austeridade financeira que incluem, entre outras coisas, uma série de cortes pesados nos benefícios sociais dos cidadãos (o sonho molhado de todo analista neoliberal), além de uma entrega maior de soberiana a órgãos internacionais, como o Banco Central Europeu e o FMI. Há quem diga mesmo que a Alemanha, depois de anos tentando conquistar a Europa pela via militar, finalmente conseguiu, através da economia e sem disparar um tiro sequer…

Por mais que sejam análises válidas e coerentes, no entanto, existe uma coisa que me incomoda profundamente nessa visão e aqueles que a defendem. Falo da forma como muitos parecem encarar um iminente fim do Euro como uma vitória gloriosa, e agouram com todas as forças para que ele ocorra o mais rápido possível. Parecem encarar a moeda e a própria União Européia como meros artifícios da farsa neoliberal, que nos convenceu pelos meios de difusão da sua ideologia como indispensáveis para a prosperidade das sociedades humanas, louvada seja Nossa Senhora Ayn Rand dos Últimos Dias. Esquecem, enfim, do próprio significado histórico da UE, e o seu papel em um continente marcado durante pelo menos dois mil anos por infindáveis guerras, massacres e genocídios.

Pra resumir, simplesmente não sei dizer se o Euro está mesmo fadado a desaparecer ou não. Tanta gente diz que sim, tanta gente diz que não, e eu aqui no meio, com meus livrinhos do Edward Thompson e do Eric Hobsbawn tentando decidir por uma posição… Se vier a acontecer, no entanto, acho que, mais do que tudo, mais do que um cair de máscaras ou uma vitória gloriosa da Quarta (ou Quinta ou Sexta) Internacional Comunista, será mesmo o fim de uma utopia. Você pode concordar com ela ou não, pode achá-la inviável, impraticável, indesejável, injustificável… Mas não dá pra não sentir um certo pesar sempre que morre uma utopia.

Como eu comentei no texto anterior, o Beady Eye em certo sentido continuou o mesmo tipo de som que o Oasis vinha fazendo nos seus últimos discos. Se você gostava do barulho e da energia roqueira intensa que eles tinham em músicas como Lyla ou The Shock of the Lighting, ou mesmo, vá lá, aquele pseudo-messianismo do Liam em Guess God Thinks I’m Abel e I’m Outta Time, é a sua banda. Já o Noel continuou com a outra parte desse som – representado nas músicas que ele próprio cantava nesses últimos discos, como The Importance of Being Idle, Waiting for Rapture ou Falling Down, que se destacavam mais pelos arranjos maduros e melodias cuidadosas do que simplesmente pelo barulho e distorções de guitarras. Qualquer destas músicas poderia estar tranquilamente em Noel Gallagher’s High Flying Birds, lançado no último mês, e não estariam de qualquer forma deslocadas.

O disco é composto por apenas dez canções, mas são mais do que o suficiente pra ele demonstrar quem era o talento verdadeiro por trás do Oasis (não que a maioria dos fãs tivesse qualquer dúvida, é claro). Com uma pegada mais pro lado do folk do que o rock propriamente dito, com direito a bases de violões mesmo nas músicas mais agitadas, ele se destaca pelos arranjos criativos e diversos, que praticamente não se repetem. Há espaço mesmo para um náipe de metais e instrumentos inusitados como o serrote musical e taças de cristal. Para os mais tradicionalistas, o uso de uma orquestra de cordas também está perfeito, passando longe do kitsch para deixar músicas como Everybody’s on the Run e (I Wanna Live in a Dream) In My Record Machine com ares épicos.

Por trás de tudo, é claro, está principalmente o talento do Noel de criar melodias e refrões, notável desde os tempos de Cigarettes & Alcohol e Wonderwall. É fácil imaginer os refrões de Everybody’s on the Run e (I Wanna Live in a Dream) In My Record Machine cantados em coro por um estádio de futebol lotado (sim, novamente as duas; preciso dizer quais foram as minhas faixas favoritas?). Dream On, The Death of You and Me, AKA… Broken Arrow e (Stranded on) the Wrong Beach são outros pontos altos, com aquelas melodias gostosas que nos dão vontade cantar junto já na primeira ouvida.

Pra não dizer que o disco é perfeito, enfim, duas das faixas estão um pouco abaixo da qualidade das demais, na minha opinião. A primeira é justamente a primeira música de trabalho, If I Had a Gun, que tem um verso inicial bem bacana (If I had a gun / I’d shoot a hole into the sun / And love would burn this city down for you), mas depois vira uma baladinha romântica genérica cheia de lugares comuns, falando sobre como você é tudo pra mim, e sem você eu não sou nada, e eu sempre te observei andando pela sala… Lembrou os momentos mais sonolentos do Coldplay. E a outra é Stop the Clocks, música já antiga que nunca foi gravada pelo Oasis mas chegou a ser título de uma coletânea de sucessos, e também tem uma melodia chatinha e um arranjo de balada soturna genérica, apesar da aceleração bacana do tempo no fim, no estilo de algumas bandas de rock pesado setentistas, salvar ela pra mim.

Enfim, pra resumir a ópera, Noel Gallagher’s High Flying Birds é um disco muito bacana mesmo, acredito que um dos melhores lançamentos do ano (bom, não é como se eu tivesse acompanhado muitos lançamentos também). É um belo amadurecimento artístico do Noel, passando longe da barulheira genérica na qual o seu irmão mais novo preferiu apostar. Recomendo bastante para os antigos fãs do Oasis, e mesmo quem não gostava muito deles talvez devesse dar ao menos uma chance.

Em primeiro lugar, sinceramente, quem ainda fala sobre a falta de emoção de uma final certamente não têm assistido os últimos campeonatos. Uma opinião assim só pode vir de alguém imaginando que o futebol brasileiro é igual ao da Espanha ou Itália, onde há duas ou no máximo três equipes que realmente disputam os títulos. Ignoram que por aqui o campeonato sempre começa com pelo menos doze clubes fazendo discurso de campeão – claro, raramente todos eles de fato tem capacidade de disputá-lo até o fim, mas todos se assumem grandes e tradicionais o bastante para desejar isso no início da temporada, e se não o fizerem correm o risco de enfrentar problemas com a torcida ou flauta dos rivais. As únicas edições em que uma equipe realmente dominou do início ao fim a disputa foram em 2003 e 2007, com Cruzeiro e São Paulo, respectivamente; todas as outras tinham, nas últimas rodadas, ainda três, quatro ou até cinco equipes com possibilidades de serem campeãs. Reclamar da falta de emoção soa de forma muito suspeita como recalque de quem não esteve entre elas.

Enfim, eu acho que uma disputa por pontos corridos pode ser sim bastante emocionante, e os últimos anos não têm exatamente me contradito a esse respeito. É uma fórmula simples e lógica – querem ver qual equipe é a melhor entre um grupo relativamente grande? Jogam todos contra todos, e faz-se uma média dos resultados – e perfeitamente válida. Pra ser ainda mais simples, por anos era padrão mesmo que vitórias valessem 2 pontos e empates 1, o que só foi mudado na década de 1990, pra favorecer as equipes mais ofensivas. E na verdade acredito que historicamente tem sido até uma fórmula mais comum do que os torneios mata-mata – a própria Copa do Mundo já foi disputada por pontos em muitas edições (poucos lembram, mas no famoso maracanazo de 1950 bastava um empate para o Brasil ser campeão).

Claro, não acho que isso invalide também uma disputa de mata-mata. Acho interessante que existam as duas opções: o campeonato longo onde os clubes mais tradicionais jogam o ano inteiro, e uma Copa eliminatória onde mesmo os médios e pequenos tenham alguma chance de se sagrar campeões nacionais. Em outras palavras, exatamente como já é feito na maioria dos países com futebol profissional – sempre há lá a Copa do Rei, Copa da Rainha, Copa da Inglaterra, Copa da Liga… -, e mesmo por aqui, com a nossa Copa do Brasil. Acho interessante a proposta da CBF de aumentar a duração dela, inclusive, e a partir de 2013 realizá-la ao longo de todo o ano; deve ajudar a valorizá-la mais. Pra completar, eu sugeriria inclusive uma última taça da temporada com uma disputa entre o campeão da Copa e o do Campeonato Brasileiro – nos moldes das Super Copas, Super Taças e semelhantes que também existem na Europa.

Em todo o caso, o fato de eu ser um partidário dos pontos corridos também não impede que eu me incomode bastante com alguns argumentos que muitos usam a favor dele. Me incomodo muito com todas essas teses “científicas” sobre planejamento, rotinas, justiça nas regras de disputa… Já falei antes sobre como toda essa racionalização e cientificização do esporte me incomoda, o mesmo tipo de argumento que tenta vender ele como um espetáculo artístico, ignorando tudo o que de fato acontece nas arquibancadas. O futebol, como os esportes de massa em geral, não é racional, não é ciência, e querer transformar ele nisso é tirar justamente o que ele tem de mais atrativo e interessante. Sinceramente não gostaria de ver o nosso futebol transformado em algo como o futebol americano, onde tudo é controlado segundo a segundo, seguindo uma lógica fordista de aproveitamento máximo do tempo, inclusive com intervalos praticamente minuto a minuto para os comerciais; gosto dessa forma caótica e imprevisível que ele tem, onde mesmo um time fraco pode fazer frente a um galáctico com um misto de tática, motivação e mesmo um pouco de jogo de cena e atuação.

Por fim, pra não dizer que eu sou 100% a favor destes últimos campeonatos, uma coisa que eu acho chato realmente é essa história de só entregarem a taça de campeão junto com os prêmios para os melhores jogadores. Vê-los comemorando e levantando os troféus todos limpinhos e bem vestidos com terno e gravata, sinceramente, nem de longe tem o mesmo impacto do Hugo de León levantando a Libertadores da América com a camisa do clube, o cabelo desgrenhado, e uma faixa de sangue escorrendo pelo rosto…

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Atenciosamente,

Bruno.

E então temos Catherine, o jogo da vez que cumpre esses requisitos. A melhor forma de classificá-lo, acho, é como um quebra-cabeças romântico de terror. Nele conhecemos a história de Vincent Brooks, um analista de sistemas de 32 anos, os últimos cinco passados dentro do mesmo relacionamento com a sua antiga colega de escola, Katherine. As coisas começam a ficar complicadas, no entanto, quando ele, após uma noite bebendo e pensando nas indiretas dadas por ela a respeito de um possível casamento, acorda ao lado de uma moça dez anos mais jovem, a Catherine do título. Para piorar, há ainda uma estranha série de mortes durante o sono ocorrendo nos últimos meses, que atinge apenas homens jovens e solteiros, e pode ter alguma relação com os pesadelos que Vincent tem tido recentemente, em que ele precisa escalar uma grande torre de blocos antes que ela desmorone e ele caia para a morte certa.

Catherine é um jogo à moda antiga sob muitos aspectos. Pra começar, é um quebra-cabeças, gênero que não tem sido exatamente muito popular nos consoles acho que desde o saudoso Tetris – em geral eles parecem ser muito mais aceitos ultimamente enquanto joguinhos simples em flash, jogados on-line em portais de entretenimento ou baixados como aplicativos para tablets (pense em Angry Birds). Avançar as suas fases é muito mais um feito de habilidade, raciocínio e, algumas vezes, sorte, do que meramente paciência para atingir os níveis mais elevados, aprender as melhores habilidades e adquirir as melhores armas. Não é um jogo que você vai vencer pelo cansaço, enfim, mas que requer de fato que você desenvolva técnicas específicas e aprenda a pensar dentro das suas regras internas, o que gerou uma certa fama de dificuldade elevada na comunidade gamer.

Também é um jogo que busca o replay value não meramente pela quantidade de extras a desbloquear (o que não quer dizer que eles não existam, é claro, e alguns são realmente difíceis de liberar), mas apenas por ser simples, divertido e altamente desafiante. As fases possuem contagem de pontos, coisa que a derrocada dos arcades parecia ter deixado obsoleta, e há mesmo leaderboards on-line para quem quiser tentar a sorte contra japoneses viciados. E o modo Babel sozinho, com suas fases criadas aleatoriamente a cada jogo, já pode oferecer ocupação despretensiosa pra uma tarde chuvosa inteira, até por possuir um modo para dois jogadores. Faltou mesmo apenas uma opção para disputas on-line, acredito.

Isso posto, é claro que ele ainda é um jogo para a última geração de consoles. Toda a apresentação é impecável: os gráficos, as vozes, os sons, as músicas. As cenas de animação que contam a história entre as fases são todas de excelente qualidade, sem dever nada a qualquer anime contemporâneo. E se você acha que mover blocos e bater em ovelhas parece um desafio infantil e ingênuo, vai se surpreender com os cenário sinistros de cada pesadelo de Vincent – espere só até ver os chefes finais de cada noite…

Outro ponto interessante diz respeito ao roteiro e os personagens, que fogem do padrão salve o mundo da ameaça mística-sobrenatural-tecnológica-alienígena da vez e realmente tratam de temas adultos e contemporâneos, como relacionamentos, emprego, até mesmo sexo. Boa parte da história se desenvolve em um bar que Vincent e os seus amigos freqüentam todos os dias, onde você pode beber (com direito a trivias e fatos curiosos sobre a história das bebidas), receber e responder mensagens no celular, conversar com os clientes, e mesmo jogar em uma velha máquina de fliperama. Você também é constantemente julgado sobre seus valores éticos e morais, através de um questionário realizado ao fim de cada fase, em questões postas pelos personagens secundários, e na forma como você responde às mensagens eletrônicas recebidas, o que terá impacto decisivo nos desenvolvimentos finais da trama. Enfim, é interessante acompanhar uma história mais simples e mundana (até certo ponto), que não requer muita suspensão de descrença, e que não ofende tão grosseiramente a sua inteligência.

No fim, Catherine é um jogo realmente muito bacana, um grande sopro de originalidade e criatividade no marasmo repetitivo dos jogos da última geração. É o tipo de jogo que realmente pode agradar tanto os jogadores mais casuais, pela sua simplicidade e foco no raciocínio e habilidade, como também os mais hardcore, pelo desafio em liberar todos os extras e ganhar todos os troféus/achievements. Recomendo bastante, mesmo.

A Liga Extraordinária – Século: 1969

Mesmo assim, no entanto, é difícil não achar que há alguma coisa faltando, ou talvez mesmo sobrando, neste último volume. O mote da Liga originalmente era o de contar uma história de super-heróis com personagens clássicos da literatura do século XIX, e as duas primeiras histórias do grupo cumpriram ele excepcionalmente bem, não só montando um super grupo bastante funcional como também fundamentando as próprias tramas em enredos clássicos de Arthur Conan Doyle, Júlio Verne e H. G. Wells. E é justamente esse espírito que a série parece ter perdido, na minha opinião – há lá a dose obrigatória referências literárias e culturais, muito bem, mas elas parecem um tanto deslocadas e perdidas frente à ode ao estranho, o oculto e a magia que Moore parece querer realizar.

Os próprios personagens ilustram isso muito bem. Até achei a Mina Harker bem adaptada e interessante, mostrada como tentando se atualizar constantemente aos novos costumes para lidar com a recém adquirida imortalidade; e o Orlando, vá lá, também cumpre bem o seu papel. Mas o Alain Quatermain parece ter perdido completamente a razão de ser, e foi totalmente descaracterizado da sua persona original, do intrépido aventureiro viciado em ópio. Isso colabora bastante para a impressão de que o mote original da série foi abandonado, e eles se tornaram apenas mais um grupo genérico de investigadores do oculto e do sobrenatural.

As referências culturais atualizadas também têm a sua dose de questões particulares. Muitas delas, em especial as que envolvem o mundo da música, precisaram mesmo ser ficcionalizadas, por não se tratar mais de personagens de domínio público, mas sim de pessoas bastante conhecidas do mundo do entretenimento – me refiro em especial a banda Orquestra Púrpura, cuja inspiração deve ficar bastante óbvia durante a leitura para qualquer um que conheça um mínimo de história do rock. As que acabam se salvando mais são justamente as que não têm importância maior para a trama, e estão lá apenas para fazer um comentário rápido ou piada de humor negro com algum personagem conhecido.

A arte de Kevin O’Neill, enfim, também não colabora em nada para melhorar a impressão final. Tenho amigos que já não gostavam muito dela em primeiro lugar, mas a mim, pessoalmente, ela nunca incomodou, e a achava até bem legal nos primeiros volumes. Neste, no entanto, ele parece preguiçoso e desleixado ao desenhar, resultando em traços tortos e muitas vezes simplesmente feios mesmo.

No fim, em todo caso, não vou dizer que seja um lançamento simplesmente ruim. A história em si até é bem bacana, tem boas reviravoltas e momentos, e tietes do Alan Moore devem gostar dela de qualquer forma. Me pergunto se não seria mais interessante, ao invés de descontextualizar completamente os personagens da Liga original, criar versões atualizadas do grupo com personagens literários de cada época; mas, enfim, não fui eu que a escrevi, e é injusto também querer julgar os autores apenas pelo que a série poderia ter sido, e não pelo que de fato foi.